罗伯特·希尔施（Robert Hirsch），著名摄影师、教育家、历史学家、作家。CEPA画廊前执行总监，现任纽约布法罗Light Research总监，纽约州立大学布法罗分校视觉研究系主任。曾多次举办个展，策划发起大量展览、研讨会，采访过众多世界顶尖摄影师。主要著作：《摄影的可能：创意、材料和流程的使用》（Photographic Possibilities： The Expressive Use of Ideas， Materials and Processes）、《探索彩色摄影：从暗房到数字工作室》（Exploring Color Photography： From the Darkroom to the Digital Studio）、《捕获光线：摄影史》（Seizing the Light： A History of Photography）。

　　王婧，生于1981年，中国传媒大学戏剧影视学院摄影系讲师，主要研究领域为摄影技术、图片摄影造型、新闻与纪实摄影等。2003年获得摄影专业学士学位，2006年获得广播电视艺术学硕士学位并留校至今。主讲课程：《影视摄影技术基础》、《新闻摄影与图片编辑》和《纪实摄影》等。

　　《光与镜头：通往卓越影像之路》是一本具有开创性的摄影导论。内容涵盖摄影发展简史、时空关系、观察方法、曝光原理与技术、构图要素、基本的数字暗房技术及作品装裱展示方法等。简洁明晰地为读者提供构思、拍摄、制作、保存、展示图片所需各个环节的基础知识。
　　《光与镜头：通往卓越影像之路》包含大量顶尖摄影师拍摄、制作的精美作品和经过课堂教学检验的练习，引导读者欣赏高水准图片作品、了解数字摄影的无限可能并拓展自己的拍摄思路，指导读者以摄影师的视角和美学立场构思、拍摄、制作高品质作品。
　　《光与镜头：通往卓越影像之路》适合摄影爱好者、学生及教师，任何想了解数字摄影理念与技术的读者都能从本书获益。

　　“罗伯特·希尔施将本书定位为一本导论性的适合大学层次读者使用的教程。这是一本有关理念的书而不是软件或相机的使用手册。秉持这样的哲学，希尔施保证了批判的观察和美学价值能与技术获得同等重视。本书以有关摄影史、视觉基础和象征内容的章节开始，以透过相机观察世界和思考、撰写有关摄影文章的章节结束，这种强调是令人振奋且富有启发的。”
　　——Afterimage，36卷第1期

　　“希尔施的《光与镜头：数字时代的摄影》是一本非常有价值的参考，从中你能获得基础到高级的数字摄影技巧，适合菜鸟摄影师或有经验的教师使用。书中介绍了对当代图像理念和创作有着重要意义的摄影史知识。本书所涵盖的技巧与创意内容极为广泛，适合不同层次的学习者作为学习参考。”
　　——Exposure杂志

　　“一本具有开创性的导论书，向读者清晰、简洁地介绍创作发人深省的数字摄影作品所必需的知识。这是一本敢于尝新的创意书，包含了大量顶尖摄影教育者设计的课堂练习和任务，鼓励读者以摄影师的眼光和美学视角批判地进行探索和创作图片。”
　　——PhotoTechnique杂志

　　第1章我们为什么要制作图片：视觉观念发展简史
　　人类梦想用图像记录现实世界的愿望由来已久。4万年前，克鲁马努人在洞穴和岩壁上绘制了巨型的野生动物和人类掌纹等抽象图案。如今，人们使用照相机来取代木炭和彩色氧化物。究竟是什么催生了摄影术的发明？
　　绝大多数情况下，人们制作图片的根本动机是为了留存，为了记录或纪念特别的人或重要的事。艺术家们用图像去表现和阐释他们对自我及周边世界的认识与理解，有些人为了商业目的拍摄图片，有些人则建立信息系统或通过科学摄影将肉眼不可见的东西图像化。抛开创作目的不谈，人们制作图片是因为词汇常常无法提供一个令人满意方式来描述或表达其与世界的关系。人类观察、交流、庆祝、评论、表达的方式和最重要的缅怀功能，都能在摄影中表现出来。我们记忆的内容与方式塑造我们的世界观，而摄影能够刺激人的记忆。诗人比利？科林斯（BillyCollins）将人们的记忆过程经过总结概括之后，在他的诗作《健忘》（Forgetfulness）中，间接地指出图像留存激情的要义，诗中说：
　　首先消失的是作者的名字
　　跟着是顺服的标题，情节，
　　无聊的结局，整个小说
　　突然变成你从未读过的，
　　甚至从未听说过的……
　　图片之所以重要就在于人的天性使其总想将普遍现象总结为特殊规律并将自己同客观世界建立起某种联系。图片是一种具象的载体，但是我们可以将个性化的视觉信息建立在图片上。正是这种主观参与——行为与活动本身——能帮助我们充分表达出感情，找到自我认同感并促使我们去感知幸福，缓解人生的孤独感。
　　摄影能够达到多种目的。虽然我们习惯性地认为摄影的功用或目的是对某一个主题的记录或评论，但其实它可以与详细表述无关，与解答某些特殊问题无关，它甚至可以作为一个有意义的事物而独立存在。一幅照片也许是神秘的，它能使观赏者认识到某件事情的显著意义，而这种意义是其他手段所无法阐明的。正如现代舞之母伊莎多拉？邓肯（IsadoraDuncan）所言：“若我能向你解释其中意义，那么，将不再有继续舞蹈的理由。”
　　一幅照片可以看作摄影师、被摄主体与观赏者之间的交流，在交流过程中，摄影师与观赏者不仅要用语言进行交谈，他们还要清楚地知道谈话内容的语境、交流的对象、对方的肢体语言以及交流环境。当摄影师对某一特殊题材或画面产生灵感时，他有必要对其意义及内涵加以提炼和升华，这需要摄影师和观赏者进行创造性地互动并对描述物进行定义，而这样的定义让我们领会、承担并付诸行动地解决问题，让我们对作品的美感做出回应或了解摄影师的美学追求。
　　20世纪初，爱因斯坦的相对论和量子力学不仅颠覆了传统牛顿物理学说的绝对正确性，而且开始改变人们特别是艺术家们描绘和解释客观世界的方式。人们发现在观赏者与被观赏物之间产生的互动能够为影像意义的生成提供不同的参考标准。这种情况往往出现在符号系统当中（如数学、语言和视觉等），人们的分析能力、领悟力和想象力保持高度统一非常重要，否则将会造成感知投入的混乱。这个过程需要艺术家、被摄对象和观赏者之间始终保持有关创作和解读的互动性对话。正如摄影家曼？雷（ManRay）所说：“或许艺术家的最终愿景是将所有的艺术形态融合在艺术作品当中，正如现实生活中的万物融合一样。”
　　1.1摄影法则
　　摄影的基本法则是建立在照相机运用光线记录图像的基础之上，这种通过图像记录并诠释社会的视觉艺术形式发展到今天已有百年。从学会使用相机开始，然后再用光线揭露或掩盖事物本质的意识，之后再冲印成像或通过其他方式将影像呈现出来，这个过程是将抽象的主观观点转化成物理（摄影）现实的前提条件。本书将介绍相机的基本操作和视觉的构成元素，举例说明摄影师实践操作中的应用方法以及解读方式，同时鼓励读者尝试摄影创作，在尝试过程中，不断修正方式方法并最终获得属于自己的成果。一旦掌握了摄影创作的基本方法，对整个摄影过程的掌控也即将开始。为了从本书中获得最大收益，读者应该开始思考如何通过摄影来建构有意义的表达。这将会引导整个摄影过程为表现多义性内容而服务。人们的思考是与内心产生某一想法相伴而生的，之后便会寻求最为合适的技术手段使之变成现实。（详见第11章）
　　1.2摄影术的发展
　　自1839年达盖尔（LouisJacquesMandéDaguerre）先生将达盖尔摄影法（thedaguerreotype）公之于众后，人们就开始发明一系列新的影像记录材料和方法来呈现我们眼睛所看到的世界。湿版法（wet-plateprocess）取代了达盖尔摄影术之后又出现了胶卷。如今，数字工作室的光电技术取代了传统摄影在暗房中进行的化学变化。数字技术的引入为摄影术发展，为动态画面与声音相结合的电影摄影开辟了新途径。在数字图像成为主流的今天，摄影术作为外在世界记录者的传统地位正经受挑战1。数字化的影像已经成为常态，比如电影摄制将实景真人与数字动画制作相结合，而这与前数字时代手工绘制的动态影像已无明显区分。具有讽刺意味的是这种数字影像技术曾经被坚持摄影过程纯粹性的主流所排挤，如今却成了摄影实践的中坚力量。暂且不管个人目的和摄影本身，个人可以先从静态摄影出发，掌握静态摄影的重要性和价值，因为静态图像往往只要在自己的时间里思考一个主题就足够了。张力不足也许是静态影像的缺陷，但对时间与空间的凝结又赋以静态影像独特的魅力。
　　1.3决定性意义
　　人们通常会从一些事情当中寻求独特的意义与价值，并从别人那里汲取成功经验。事实上，我们对影像的理解力已经历了实质性地改变，逐渐认识到绝对中立性的摄影形态根本不存在，所有的描述都有特殊的倾向性。摄影存在着三种截然不同的倾向性：第一种倾向来自常用摄影系统的生产和制造，这里所提及的摄影系统包括相机、镜头、所有器材和一切辅助设备，摄影师利用这些器材创造出摄影图像。制造者们设计了器材的物理性能和基本框架，摄影师只能在此框架内进行操作；第二种倾向来自于摄影师的主观倾向，他们是运用机械设备创作影像的人，每幅摄影作品都可以揭露摄影师的主观视点——主题、摄影师与摄影过程合二为一的结果；第三种倾向性由观赏者自身的生活体验所决定，当观看摄影作品时，他们的阅历和体验决定了他们对该作品的理解。总之，我们的世界观、价值观、所处的环境以及时代背景都决定了我们所见所感。
　　1.4底片修正：在Photoshop出现以前
　　在Photoshop出现以前，为了达到艺术或商业的目的，人们尝试了许多方法试图在按动快门之后改变成像效果。早期摄影探索者为了顺应其美学和技术性需求，常常会修正自己的工作方法。微缩画画家们直接在银版或碘化银版上作画，试图复制色彩，而这一举动开创了手工合成色彩之先河。19世纪40年代，亨利？福克斯？塔尔博特为了得到清晰的影像时常在曝光后在碘化银纸上打蜡（最早的正负片叠放法），此举使影像的细节得以呈现，对比度增加，而且提高了印制效率并降低了难度系数。1848年，古斯塔夫？勒？格雷（GustaveLeGray）将蜡纸技术引入到感光相纸纤维的制作过程中，这从物理和化学角度加快了负片的感光速度和色调范围，生成了与蜡质碘化银版完全不同的画面效果。像查尔斯？尼格（CharlesNègre）、大卫？屋大维？希尔（DavidOctaviusHill）、罗伯特？亚当森（RobertAdamson）等摄影师通常需要用铅笔在碘化银负片上改变图像的影调，将主体从背景中分离出来，强化高光部分，突出初始曝光时所没有显现的景物与细节、去掉冗余的部分。
　　1.4.1叠放照片
　　到了19世纪中晚期，将多个负片叠放冲印已比较常见。19世纪50年代，湿版火棉胶摄影法成为商业摄影的主要技术手段，而这种方法在光线条件较暗的情况下需要很长的曝光时间，使得群体人像的创作很困难。由于湿版摄影法对蓝紫光感应能力微弱，这一缺点也为拍摄自然风光题材的作品设置了障碍。当对地面景物或主体正常曝光时，天空往往会失去层次，冲印后的影像呈现出白斑的效果，而叠放照片技术则克服了这一难题，在前期拍摄时对主体与天空分别曝光，在后期制作时使用蒙片将两张底片合成，从而保证主体与天空都能够得以正常还原。这在奥斯卡？古斯塔夫？雷兰德（OscarGustaveRejlander）的作品《人生的两条道路》（TwoWaysofLife，1857）中得以充分体现，作者使用30张负片拼放叠印，再现了舞台造型人物、场景和事件。从亨利？皮奇？罗宾逊（HenryPeachRobinson）的著作《摄影的绘画性效果》（PictorialEffectinPhotography，1869）中可以看出，叠印技术已经成为态度严谨的摄影师们表达艺术宗旨的重要手段。
　　1.4.2直接摄影初探
　　彼得？亨利？爱默生（PeterHenryEmerson）在《自然主义摄影》（NaturalisticPhotography）一书中对叠像冲印的概念提出了质疑。爱默生倡导简化工作程序和“有选择地自然对焦”。这种视觉法则要求摄影师极尽可能地复制人眼视觉感受，镜头中所呈现的影像能够准确地呈现景物的空间透视关系。
　　爱默生认为摄影师有责任发现相机自身的特征，他将摄影看做是艺术与技术的混合体。同时，他强调通过对光线、对焦主体、景别的审慎选择，就可以创作出优秀的影像作品。爱默生强调被摄主体应被置于其自身所处的环境当中，需摒弃一切叠像冲印等人为操作因素。随着时代的演进，自然主义摄影中的一些摄影家极端夸大并强烈地攻击了他的视觉理论，于是爱默生出版了《自然主义的消亡》（TheDeathofNaturalisticPhotography，1890）正式声明放弃他的自然主义摄影观。尽管如此，自然主义摄影观为后来“直接摄影”的发展播下了种子，为推动摄影史向前发展做出了卓著的贡献。
　　1.4.3画意派摄影
　　19世纪90年代是手工制作方法如树脂重铬酸盐重印法等达到鼎盛的时期，这表明富于改革精神的摄影师们已经同艺术家尤其是画家一样可以对手中的工具运用自如了。这种摄影创作方法被画意派风格所推崇，在阿尔弗雷德？马斯凯尔（AlfredMaskell）的《照相凹版》（PhotoAquatint）和罗伯特？戴梦奇（RobertDemachy）的著作《树脂重铬酸盐制作过程》（TheGumBichromateProcess，1897）中将此观点推到了巅峰地位。画意派摄影风格强调影像的氛围、形式大于主体内容本身，构图和影调的表达方式高于一切。运用柔焦镜头弱化细节，强化表面效果。画意派摄影拒绝被苛刻的摄影规则所束缚，这些感性的影像制作者们通过复杂的创作过程强调摄影不仅仅是一个机械运作的过程，它还可以被人所操控，因此是一种符合情理的视觉艺术形式。20世纪初期，画意派摄影观点多见于商业人像摄影中，其对结构美感的突出表现方法与直接摄影表现自然的宗旨完全不同。
　　……

简  目
献　词
前　言
致　谢
第1章　我们为什么要制作图片：视觉观念发展简史
第2章　设计：视觉基础
第3章　拍摄图像：相机、镜头和扫描仪
第4章　曝光与滤镜
第5章　用光看世界
第6章　观察：睁大眼睛
第7章　时间、空间、想象力与相机
第8章　数字暗房：当虚拟照进现实
第9章　展示与保存
第10章　透过相机看世界
第11章　结论：思考并撰写有关摄影的文章
第12章　蓄势待发的摄影师
附录1　安全问题：注意保护自己和数码设备
附录2　工作前景
出版后记