埃德温·威尔森（Edwin Wilson），耶鲁大学艺术博士，曾任教于范德比尔特大学、耶鲁大学、亨特学院和纽约市立大学研究生中心。目前为纽约市立大学研究中心西格尔戏剧中心执行主任，是美国最广泛使用的三本戏剧教材的作者及合作者。2008年出版了前沿著作《戏剧体验》（The Theatre Experience, 7e）。

　　阿尔文·戈德法布（Alvin Goldfarb），纽约市立大学戏剧史博士，西伊利诺伊大学的校长和戏剧教授。与埃德温·威尔森合著了《戏剧：一段历史》（Living Theatre:A History）和《舞台剧文集》（The Anthology of Living Theater）。

　　译者简介：
　　孙菲，戏剧导演，中央戏剧学院导演系青年教师。导演作品：《少年法庭》《幸福的烦恼》《伪善者的奴隶》《艾比大王》《苏格拉底》。另发表《导演元素训练中创作主体意识的培养》《后现代戏剧对导演创作的影响》等多篇理论文章。

　　该部论著从俯瞰人类戏剧发展史的角度和全球化的视野，以古往今来翔实的戏剧史料和深入浅出的文字，阐述了关于戏剧艺术的特性，戏剧在当代社会中的地位与作用，观众应当如何观看戏剧等方面的见解。
　　——廖向红，中央戏剧学院副院长、教授

　　这本书不是枯燥地罗列戏剧史料，而是将戏剧的发展置于社会政治经济的大背景下，将戏剧活动和社会发展联系在一起，让读者对戏剧的发展历史有了深入、宏观的认识；对戏剧各个流派的源起、产生背景、理论主张、消亡以及对后世的影响作了深入浅出的剖析，涤清了一些模糊的戏剧概念。
　　——孙菲，中央戏剧学院导演系青年教师

　　第1章 体验今天的戏剧
　　我们为什么要去剧院？现当今社会提供了大量的娱乐方式供人们选择，包括电视、电影、DVD、网站、数字游戏，游乐园以及体育赛事，为什么世界各地的观众仍在寻找鲜活的戏剧作品？为什么年轻的观众仍要挤在狭小的空间里体验实验戏剧花样翻新的演出？
　　在这一章里，我们试图解释为什么人们仍会去剧院，尤其在有很多其他娱乐形式与戏剧竞争时间和金钱的情况下。我们也试图发现使戏剧成为这种鲜活艺术的独特品质。
　　1.1 何为“theatre”
　　在回答这些问题之前，我们应当简要说明一下“theatre”这个词。它具有多重含义。Theatre，首先，它表示进行戏剧表演的建筑场所，在这个意义上，“theatre”（剧场）指的是一个物理空间。同时“theatre”（戏剧）也表示一种艺术形式和学科。我们还可以用同样的方式谈论其他艺术形式——歌剧、舞蹈还有音乐。我们讨论戏剧，包括历史、实践和对这种艺术形式进行研究的机构。
　　1.2 为什么我们要去剧场
　　戏剧的独特属性
　　回到我们较早的问题，我们为什么要去剧场，为什么要学习戏剧——最直接的答案是：“鲜活”。我们称戏剧是鲜活的艺术不止是因为它令人兴奋、紧张和愉悦，还因为它是现场的，在某种程度上，这种特质使它不同于那些同样具有戏剧性元素的形式。
　　比较在剧场看戏和在电视或电影上看戏，我们更能发现戏剧的这一特质。电视电影在很多方面与戏剧相似。二者同样是以戏剧的方式讲述故事——由表演者扮演某个场景中的角色。电影和电视给予我们许多与在剧场里观看戏剧时一样的感受和体验。人们可以通过电影和电视了解很多与戏剧有关的知识，电影和电视的便利意味着它们对我们了解戏剧事件和戏剧特性发挥着重要作用。
　　但是，当我们比较戏剧和电影电视的时候，会发现二者有根本不同。这种比较并不集中在技术层面，如电影可以动用直升机拍摄外景，从一个场景瞬时切换到另一个场景，或者通过特技创造星际战争或洪水滔天的场景。戏剧和电影最重要的不同在于表演者和观众的关系。观众在演员表演时的体验比戏剧中的其他要素都重要。无论电影如何接近戏剧故事，无论银幕前的观众如何被打动，我们面对的始终是图像，而不是人。
　　我们都知道图像和真人之间的区别。很多时候，我们反复计划，预想自己与所爱或所憎之人的谈话。我们在脑海里预演场景，勾勒自己与别人谈话的画面：表白、求助，要求加薪。但当我们真正面对的时候，情况就完全不一样了。我们身体僵硬，发现自己一句话也说不出来，或者干脆语无伦次。总之，很少会按我们的设想进行。
　　亦如电影，电视看起来非常接近戏剧，有时甚至比电影更接近戏剧。电视节目有时会以这样的语言开始，“这个节目来自加利福尼亚州的伯班克现场”。但是“现场”这个词是受限的。在电视出现之前，“现场”在娱乐演出里是指“当面”，不止是事件发生的那一刻，而且是发生在观众所处的物理空间里。现在，“电视直播”仍然是指发生事件的那一刻，但不是发生在观看者所在的空间。实际上，它通常离电视观众很远，可能是在地球的另一端。像电影一样，我们在电视屏幕上看到的是图像，而且我们有权利选择看或者不看，甚至是离开房间。
　　解释一个人观看现场演出时感受到的魅力是非常困难的事情，但是验证这种魅力却并不困难，这就像感受摇滚明星一样。不管追星族多么频繁地在银幕上看到他们喜欢的明星，在iPod、CD 里、电视上或通过电脑屏幕听到摇滚歌手的演唱，他们还是要千里迢迢亲自去看她/ 他。同样的，一些人冒着恶劣的天气和拥挤的人群，就是为了在人行道或政治集会上看到名人。相同的吸引力引领我们到剧院去。
　　因此，戏剧体验的核心，是表演者—观众的关系，一种即时的、个人化的交流，他们之间互通的化学反应和魔力赋予戏剧特殊的品质。在舞台上表演时，演员们能听到笑声，感受静默，还能感觉观众的紧张。简而言之，观众能够以一种微妙的方式影响和改变表演。
　　同时，当观众近距离观看演出的时候，他们会自觉或不自觉地问自己一些问题：表演者有才能吗？他们对已掌握的东西表现的如何？他们信服自己的角色吗？他们会做些令人惊异的事情吗？他们会出错吗？在每次舞台表演的每一个瞬间，观众都在寻找答案。表演者，甚至现场气氛亦是充满活力的，带着紧张的期待。基于以上理由，我们说戏剧是鲜活的艺术。
　　参与戏剧的历史因素
　　历史是第二个参与和学习戏剧的理由。在任何具有戏剧因素的艺术作品里，在电影、电视、电脑荧幕、主题公园，或者任何媒介，戏剧都是最基础的。2500 年前，古希腊对悲剧和喜剧的分类至今仍被沿用。他们也发展了戏剧结构、表演和剧场建筑。古罗马的本土喜剧是现在我们在电影电视里看到的情景喜剧的原形。
　　换句话说，也许我们没有意识到，我们每次观看表演时，都是在参与戏剧的发展历史。当观众在露天剧场观看莎士比亚的剧作时——例如，在俄勒冈州亚士兰市的莎士比亚戏剧节，或在加利福尼亚州圣迭戈市的旧世界剧场——他们不止是在观看400 年前剧作家的剧目，同时也在共享环境、观众和舞台空间的结构，甚至回到更远的古希腊。
　　当观众在镜框式舞台的剧场里观看法国剧作家莫里哀的戏剧时，他们不止是在分享可以追溯到17 世纪的法国戏剧传统，也是在分享可以回溯至意大利即兴喜剧的传统，这种传统比镜框式舞台要早一个世纪。剧场空间回到了台口式舞台，这种舞台发源于17 世纪早期的意大利文艺复兴期间。
　　同样的，在贝尔托·布莱希特的《四川好人》里，观众不止是观看20 世纪最有创意的剧作家创作的戏剧作品，他们同时也看到了一个深受古老亚洲戏剧技巧影响的戏剧作品。
　　戏剧和人类境遇
　　这是第三个参与和研究戏剧的理由。在其历史里，戏剧一直具有双重诉求。一种吸引力是纯粹的刺激或娱乐性的戏剧事件。另一种是戏剧独特的能力，这种能力可以深刻而富有煽动性地将戏剧素材重组，从而对人类境遇进行永恒的观照。思想、道德困境、探索洞察力——这些已经存在于杰出的剧作和表演中。并且，戏剧中的表演是鲜活的，不是电影或电视屏幕上的再现。
　　在古希腊和莎士比亚的悲剧，以及现代剧作家的作品里，如亨利克·易卜生，安东·契诃夫，尤金·奥尼尔，田纳西·威廉斯，阿瑟·米勒，洛兰·汉斯贝里，奥古斯特·威尔逊，我们面对的问题和观点实际上直指人类存在的核心。在法国剧作家莫里哀的喜剧里，我们看到了人性弱点的暴露，这些在其之前和之后都很少暴露。
　　最后，戏剧与现场的娱乐表演，如摇滚明星，有极大的不同。摇滚明星并不提供与戏剧演出作品相同的体验。每一部剧作或表演片段都有结构——开端、中部和结尾——一个目标，一连串形形色色的人物角色，以及作品独特的完整性，这些都是摇滚音乐会所不会追求的。
　　换句话说，戏剧是一种拥有自己特色的艺术形式：它有自身的特质、连贯性和完整性。
　　1.3 作为一种艺术形式的戏剧
　　要理解戏剧是一种艺术形式，先要了解什么是一般而言的“艺术”。
　　什么是艺术？
　　就像我们经常观察到的，艺术是生活的镜子或反映：一种对于我们如何生活、思考和感受的延展和推测。艺术向我们展现了人类珍视和敬仰的事物，也展现人类深深畏惧的事物。艺术不止是某件值得我们拥有和享受的事物，它似乎是人类生存必不可少的。
　　没有任何一种方式可以像艺术一样表达感觉、情感和观念。那些绝色姿容或令人难忘的景色也许无法用文字传递，却可以用画笔展现；某种复杂的个性可以用小说或戏剧的方式捕捉，以此展示人类深邃的灵魂；快乐或苦恼能通过音乐、诗歌或戏剧，以最直接最彻底的方式进行交流。没有这些表达方式——也就是说，假如没有艺术——人类将是贫乏和无助的，假如他们试图在没有语言的状况下生活下去。
　　艺术的特性　艺术可以分为三类：文学艺术、视觉艺术和表演艺术。文学艺术包括小说、短篇故事和诗歌。视觉艺术包括绘画、雕塑、建筑和摄影。表演艺术包括戏剧、舞蹈、歌剧和音乐。（电影作为另外一种艺术形式，包括视觉艺术和表演艺术。）
　　所有艺术——视觉艺术、文学艺术和表演艺术——的特征之一就是选择性。像这三个类别所展示的一样，不同艺术形式的着重点都会聚焦在某个特定元素上，并排除其他元素。如视觉艺术单独处理视域和触觉，我们看到和感觉到的一切都是排除声音的。我们参观一座美术馆，气氛很安静，因为注意力要全部集中在我们看的对象上。此外，在视觉艺术里，成品是凝结的、固定不变的。我们重视视觉艺术，部分原因是他们可以捕捉表现客体——容貌、风景，一系列的颜色和形状——并用绘画或雕塑的方式快速固定它们。通过视觉艺术，我们可以看到2000年前的士兵塑像，或500年前的圣母像和儿童画，而且和这些工艺品的第一批观众看到的一样。
　　又如音乐，它侧重表现声音。虽然我们可以观看交响乐团里小提琴家的演奏或音乐会里女高音的演唱，但音乐的实质仍是声音。无论何时，当我们在音乐会上闭上双眼，抑或是听录制的音乐，都能感受到这一点。上述的情况中，强调的都是声音。将注意力集中于声音，我们能够排除一切干扰因素，全身心投入音乐本身。这种对表现元素的选择特性使任何艺术形式都可以有效表达。
　　艺术的另一个特质是它与时间和空间的关系，因此第二个划分艺术门类的原则是，它是时间的还是空间的。视觉艺术存在于空间，这是其最基本的存在模式。视觉艺术用画布，或如建筑艺术，用一栋楼宇表达。比较而言，音乐在时间的维度运动。它不占用空间，当然音乐家是在空间里表演，但音乐不占用空间。音乐是一系列展开的声音，而音符和休止符构成的周期创造节奏，节奏成为音乐的重要组成部分。当我们从一个音符移动到下一个音符，这个依次序的聆听就构成一个连续的时间。
　　不同于绘画和雕塑，也不同于音乐，戏剧、舞蹈和歌剧同时占有时间和空间。现在让我们研究一下表演艺术的特性。
　　表演艺术的特性　表演艺术——音乐、戏剧和舞蹈是其一部分——通常有好几个特性。一是像上文描述的，其发展运动通过时间的流逝体现。另一个就是它们需要演绎者和创造者。剧作家写戏，演员们表演；作曲家谱写乐曲，歌唱家和演奏家通过自己的表演再现乐章；编舞设计芭蕾，而舞蹈家运用自己的肢体表现它。
　　表演艺术的另一个特性是，它们需要观众的参与。虽然电影或磁带可以记录表演，但表演事件本身必定是“鲜活的”，即，表演者和观众必须在表演时同时在场。如果戏剧演员的表演被电影或磁带记录下来而没有观众在场，它就成为了电影或电视剧目而非戏剧经历。用另一种方式表达这种差别就是，当观众在电影院观看一部电影时，舞台上并没有演员表演，只有屏幕上的影像。因此，表演者和观众之间没有交流。这种交流是表演艺术的本质。在第3 章，我们将进一步讨论“鲜活”表演的特殊本质和观众担任的重要角色。
　　除去我们讨论的几种特性，每一种艺术形式都有独特的品质，这些品质和规律将它与其他艺术形式区别开来，并帮助我们更好地理解这种特定的艺术形式。当我们知道塑形和设计如何在创作中发挥作用，如色彩如何彼此对比又互相补充，我们就能更好地判断和理解绘画。同样，如果我们知道戏剧的创造过程以及组成元素，我们就能更好地欣赏戏剧。我们把戏剧作为一种艺术形式认真考量，因而本书的第2 章将重点讨论如何创作戏剧以及戏剧的组成元素。
　　戏剧艺术
　　戏剧的要素　当我们将戏剧视作一种艺术形式开始进行探究时，我们发现所有的戏剧都有共同的、特定的要素。这些要素在戏剧事件发生时就存在，没有这些戏剧要素，事件就不能成为戏剧而成为另一种不同的艺术形式和体验。
　　观众　“观众”是戏剧中的必要元素，虽然这一点未必显而易见。实际上，戏剧的实质是观众和表演者之间的交流。只有当人们观看和聆听时，戏剧、舞蹈或音乐等表演活动才是完整的，否则几乎可以说它未曾发生。我们阅读一部剧作或听音乐的感受，与观赏一幅画或读一首诗的感受很相似：这是一个私密的、非公开的活动。鲜活的表演与其说是直接体验的，不如说是再创造和想象性的。
　　稍后，我们将更细致地解释以上内容，但现在我们能注意到，在表演艺术里，事件发生时表演就同时产生了。所有的表演艺术，包括戏剧，就像电路连接一样：只有当正反电极接到一起并完成了循环，观众和表演者之间的交流才会发生。表演者是循环的一极，观众是另一极。单个观众也许没有基本的观剧经验，但他们可以借批评家的体验提升自身水平。批评家可以向观众提供判断作品的标准，还能提供关于剧作家、剧本、戏剧史以及其他相关主题的重要信息。批评家的参与使得剧场参与变得更有意义，也更有乐趣。
　　表演者　对戏剧而言，另一个实质性元素是表演：舞台上的人们用戏剧行动演绎角色。表演是戏剧的核心。一个人站在观众面前，开始扮演一个角色，以某种方式说话或行动，传递角色的形象。于是，戏剧的魔力开始：当观众接受了表演者的表演，表演者就成为了一个真实的人物，转换就是这样完成的。扮演的角色可以是历史人物、虚构的人物，甚至是再现自我；尽管如此，观众接受的观念是来自于剧中人物的，而不是正在说话演员。
　　表演是一门要求很高的职业。除了与生俱来的天赋——在舞台上，在观众面前表演时的镇静和权威，创造出令人信服的角色的能力——还需要一定的技术和技巧。表演者必须学习控制和灵活使用自己的声音和肢体；比如，他们必须让自己在偌大的舞台上发出能让观众听见的耳语。表演者也必须能创造可信的、情感真实的人物，即，必须使观众相信演员在感人物所感, 想人物所想。
　　剧本　戏剧的另一项基本要素是据以表演的剧本，我们也可称之为表演的蓝图。创作剧本的人通常是剧作家。他们将原始素材——包括日常事件、传记、传说等转化为剧本，描绘人物之间的对话和互动。进行这样的创作并不容易：剧作家需要精通舞台实践；知道如何为角色注入生命；如何构建行动使情节能够引起观众的兴趣，唤起观众对舞台行动的预期。换句话说，剧作家必须创造人物，发展戏剧性的结构。“剧本”也经常用来指代发生在舞台上任何类型的戏剧活动：如所有形式的流行娱乐，以及由导演、演员创作的演出作品。通常“剧本”这个词包罗万象，有时会代替“脚本”。有一些不合戏剧标准的剧本特例，比如演员在街道、改造过的学校和剧院进行即兴表演。
　　除了戏剧结构，剧本必须有一个中心和焦点。这个剧本是关于何人何事的？我们应该如何看待剧中的人物和事件，悲伤的还是有趣的？那些创作剧本的人有能力和义务将我们的注意力引向某些特定的人物而非细枝末节。
　　导演　戏剧作品的另一个关键因素是导演的工作：导演带领演员排练，与舞美设计师一起调整方案，还有其他许多使作品紧凑而富有激情的工作。“导演”这一称谓是在现代戏剧中才第一次真正独立显现，但导演的很多职能是一直存在的。
　　剧场空间　另一个戏剧的基本要素是表演者和观众共处的空间。提供一个可供演员表演的舞台，或与舞台相当的区域是剧场空间的基本职能。给观众提供坐或站的区域也是剧场空间的基本职能。我们将认识几种基本的舞台空间和观众席的构置形态。无论构置形态是怎样的，其中的一部分空间必须给舞台和给观众。同样，也必须有给演员换装的空间，以及一条用以进出演出区域的通道。
　　设计元素　与物理的舞台联系紧密的另一个重要元素是作品的舞美设计。包括视觉方面——服装，灯光和一些舞台布景形式——和非视觉方面，例如音响。一台演出可以以十分简洁的形式呈现：极少的灯光、没有布景的舞台以及身着日常服装的演员。即使是这样的演出，某些注意力也一定会投向视觉因素。这是肯定的，例如，舞台上有充足的灯光让我们能看见表演。而台上的服装也被赋予特殊的含义，即使是很普通的服装。
　　通常，视觉元素在戏剧作品中具有优势地位。尤其是服装，从一开始就具有戏剧的特点；而舞台布景有时会比演员更引人注目。在某些布置中，视觉是优先的；而在其他地方——如竞技场型剧场，观众围绕表演区就座——布置精细繁复的布景是不切实际的，甚至是不可能的。
　　探寻历史，我们会发现戏剧中的视觉因素是很有趣的，因为它们在戏剧作品中的地位已经随着时间发生了明显的变化。例如，在19 世纪末，白炽灯投入应用以后，舞台灯光就发生了戏剧性的变化。
　　正如上文所述，非视觉的设计元素是音响。音响也是现代元素，随着现代技术的发展出现。当然，过去的演出一直是有音效的，后台机械制造出雷声和风声；演出中时常还会有音乐，特别是在某个时期，每一个幕间休息都有管弦乐队的演奏。在现代，随着电子技术的进步，出现了比以前更加精致的音响效果。演出中也经常运用麦克风，有时置于舞台上，有时佩戴在演员身上。
　　概括一下，以下是戏剧中的主要元素：
　　观众
　　表演者
　　文本，包含结构，人物，主题观点
　　导演
　　剧场空间
　　舞美设计方面：场景、服装、照明、声效
　　戏剧是合作的艺术　戏剧是一门合作的艺术，明白这一点很重要，一项戏剧活动的发生，必定需要多种要素的汇集和相互配合。
　　导演必须依剧作家写的剧本排演，并且必须与剧作家分享对剧作结构、主题和风格的理解。同时，导演在排演时还要和演员、场景设计、灯光设计、服装设计和音响设计亲密合作，使作品走向成熟。在演出时，这些要素同等重要：男女演员的活动应随同技术层面的变化而变化，如，场景切换、灯光变化、音响设计。实际做这些工作的人——舞台监督、舞台技术人员、化妆师、服装师、电脑灯操控员——需要在一起协作。一部完整的作品是由一群与导演一起工作的演员合作完成的，合作比其他任何东西都重要。
　　合作里的另一项基本要素是剧院组织的商业运作和管理。这个层面包括制作人和经理，还有他们的管理团队——这些人组织和管理新闻和公共关系、广告宣传、行程安排、资金筹集，以及使剧院顺利运作的所有细节，包括票务销售、送取票服务和接待事宜。
　　最终，诸多要素在作品里融为一体——剧本、导演、舞美设计、表演，还有技术和商业方面的协助——呈现给观众。在任何戏剧活动里，合作的最终结果是：将演出本身呈现给观众。
　　1.4 全球化与今天的戏剧
　　世界各地都在上演戏剧演出。许多文化中都包含独特的戏剧艺术，这些戏剧演出反映了不同地区戏剧传统的相互融合。基于此，今天的戏剧中最重要的趋势之一就是全球化：不同民族和文化以多种方式相互影响彼此的戏剧传统。19 世纪初，全球交流还比较少见，但是在我们今天生活的世界里，借助于现代运输和交流方式，这种跨文化交流已经司空见惯。
　　讨论全球戏剧时应牢记三点。首先，在许多文化里，戏剧都拥有杰出而悠久的历史。相比于美国短暂的戏剧历史，戏剧在欧洲和亚洲的历史都可以追溯至2000 年以前。在当代戏剧之前，欧洲悠久的戏剧传统由古希腊戏剧开创，历经了古罗马、中世纪、文艺复兴、18 世纪、19 世纪直至进入现代戏剧。在亚洲，印度的戏剧开始于2000 年前，中国的戏剧发展比印度晚几个世纪，日本戏剧约在公元800 年开始发展。
　　在世界其他地区——如非洲，前哥伦布时期的美洲大陆，拉丁美洲，北美的美洲原住民——都拥有丰富多彩的祭祀仪式和庆典传统，这其间蕴含着诸多戏剧元素：服饰、歌唱和舞蹈，扮演者、动物和神的活动。这些仪式和庆典不是戏剧，但形成了类戏剧式再现重演的丰富传统。因此，当我们回顾欧洲、亚洲以及其他地区的戏剧时，我们其实正在寻找这些传统，它们在当代戏剧存在之前就已矗立于此。
　　需要记住的第二点是，约从1900 年开始，亚洲和其他非欧洲戏剧受到了西方现代戏剧发展的影响：人们通过易卜生、斯特林堡和契诃夫等大量从现实主义分离出去的流派——如表现主义——认识了现实主义。因此，在有的国家，如日本，传统的能剧、歌舞伎和现代戏剧同时存在。
　　第三点——也是对现代观众来说最重要的一点——是戏剧的世界性交流发展，这些交流既有艺术的交流也有商业的交流。托马斯·弗里德曼在他的著作《世界是平的》中，分析了全球化如何在现代社会影响商业和工业。人们不再肯定地说某个产品由一个特定国家的公司制造，因为现在多数公司都是跨国企业。汽车工业清晰地反映了工业全球化的浪潮，这种趋势也同样发生在个人电脑领域。今天，由日本、韩国或德国的制造商制造的汽车也许在美国完成装配。而一台电脑可能在美国完成装配，但24 小时服务平台却可能设在印度。
　　今天的戏剧同样如此。许多不同的群体互相影响，创造着当代戏剧的美好未来。戏剧艺术家跨越国界，与其他国家的艺术家共同排演他们的作品。通俗作品广为传播，并交叉惠及其他国家的剧院团体。国际戏剧节使各个国家、各个民族的艺术家和戏剧节主办地的艺术家得以互相交流。
　　每年夏季在纽约林肯中心举办的国际戏剧节的演出剧目，可以体现当今戏剧的全球性特点。来自世界不同地区的作品在这里同台演出。近几年参演的国家包括日本、印度尼西亚、中国、新加坡、瑞士、德国、爱尔兰、阿根廷、智利、西班牙、墨西哥、意大利和法国。
　　实验艺术家借鉴了世界各地传统戏剧的风格和手法。艺术家混合搭配了各种各样的风格、历史事件、材料和手法。如，来自明尼阿波利斯市的实验戏剧导演莱斯利·莫恩，用中国京剧的传统手法，改编了19 世纪晚期挪威剧作家易卜生的现实主义剧作，该作品名为《白骨精》（White Boned Demon）。这个原创作品于1986 年在红眼睛剧场上演。三年后，导演在纽约实验性的非商业剧场复排了这部作品，接着又在伊利诺伊州的一所大学里与大学生合作复排了这部作品。
　　上述事实说明，我们不能再简单地用具体的国家和地区来定义戏剧作品和艺术家。便利的交通、电子交流方式以及剧场的商业交流已经模糊了戏剧的国家分界。实际上，就像全球经济，戏剧亦是全球活动。这些趋势也使我们可以将全球化的类型归纳为三种常见的模式：互动式、改编式与合作式。
　　随着文化交流的发展，世界各地的戏剧也在改变。例如，在19 世纪亚洲和欧洲的交流之后，西方戏剧借鉴了日本传统戏剧中旋转舞台的概念。而在19 世纪晚期和20 世纪与欧洲和美国戏剧艺术家相互交流后，今天的许多亚洲剧院都可以上演现实主义剧作和音乐剧。一个国家的戏剧团体可以邀请另一个国家的戏剧团体上演他们的作品。
　　另外，还有很多故事情节、表现手法和作品技巧的跨文化移植改编。稍后在讨论过去100 年的戏剧时，我们将看到许多实例。20 世纪的导演兼剧作家布莱希特在他的剧作里运用了许多亚洲戏剧的技巧；法国戏剧理论家安东尼·安托万认为，当代的戏剧表演应当追寻巴厘岛戏剧的传统。
　　与此同时，我们还要注意到，跨国界的合作越来越频繁。来自不同地区的艺术家个人互相合作。跨国界的创作阵容比以前更普遍了。
　　正如我们将看到的，在关于戏剧性元素、戏剧艺术家和戏剧历史的讨论中，全球化在当代戏剧中是无处不在的。
　　1.5 差异与多元文化
　　用两个词可以概括如今戏剧的特征，即，差异与多元化：差异源于观众可接触到的戏剧类型极其广泛，以及观众本身就存在很大差异；多元化是因为当代戏剧涵盖了多种多样的社会群体和社会问题。在后面的讨论中，这一点会更加清晰，我们会了解戏剧在21 世纪如何保持差异和多样性。
　　当代戏剧中的差异
　　当代戏剧的差异是显而易见的。艺术家反映全球社会中的多元文化景象，关注重大的热点问题以及许多历史上屡被忽视的群体。
　　显然，当代戏剧包含类型多样的戏剧活动。今天的观众可以观看复排的经典剧目，如古希腊、伊丽莎白时期、法国和西班牙的作品，也能观看来自亚洲、非洲及拉丁美洲的戏剧作品，新作品，先锋和实验性的作品。甚至许多从他国新上演的剧目中挑选出来的优秀剧目。如美国观众可以看到多种族的或多元化的戏剧——美国黑人戏剧、亚美戏剧、拉美戏剧及美国本土艺术家的戏剧。他们也能观看政治戏剧，反映部分少数人观点的戏剧，特定的群体如女权主义、男同性恋或女同性恋的戏剧。而且，我们可以在各种各样的演出环境里看到这些作品。
　　当代戏剧的一个特点是上述所有的特点同时串联存在。基于此，当代戏剧是复杂的。假如戏剧反映的是孕育它的社会，那毫无疑问，我们的戏剧是碎片化的，它们反映着如今生活的复杂性。
　　然而，当我们在当代戏剧中讨论不同观点时，我们要强调一点：虽然许多戏剧艺术家的确需要从某个特定的种族或性别角度出发进行创作，但也有很多人不想因为自己的种族身份、所持观点或性别而被单独甚至唯一的定义。比如，有的戏剧家恰好是拉美裔美国人或美国黑人，但是仅仅想以一个剧作家的身份为人所知，而不带有种族身份。同样，一些男同性恋或女同性恋，以及一些坚定的女权主义者，希望人们首先，甚至仅仅把他们看做是剧作家，而不是男同性恋剧作家，女同性恋剧作家，或女权主义剧作家。
　　将戏剧团体、制作人和剧作家依照民族或性别进行分类确实能够更好地涵盖他们的特点，我们可以据此背景理解和认识他们，但他们隶属的群体终究是一幅完整画卷的一部分。在后面将讨论当代戏剧的多样化和多种族性。在接下来考察戏剧诸要素的章节里，我们将了解合作的过程、戏剧中各类独立要素，以及戏剧的差异。但是在讨论戏剧要素以及戏剧如何创造之前，我们需要更具体地讨论一点，即，戏剧如何成为诸多其他当代娱乐和戏剧性艺术的基础，以及，戏剧传统如何影响电影、电视、数字媒体，甚至摇滚音乐会及体育赛事。
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